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Assignment: Interview
Emanuele Mammarella

Prof. Lamouris

Artistic Research

Academic year 2024-2025

‘Exploring the meaning of music in cinema’

An interview with filmmakers Salvatore Finocchiaro and Nathalie Rossetti

I. Introduction

Some of my recent experiences in the past year have involved contributing to projects in the film

sector. In some cases, I was hired as a clarinettist to record soundtracks. In other instances as a

consultant for the selection of music and artistic choices related to motion picture scores. Two of

the people I have worked with in this context have become dear friends of mine: Salvatore

Finocchiaro, ‘Turi’, and Nathalie Rossetti or ‘Nata’. In addition to guiding and inspiring me, they

have allowed me to rent a room in their home: a historic property in the center of Brussels. It is

filled to the brim with relics from when it belonged to Turi’s father, Giovanni, who was -among

other things- an avid melomaniac. Musical instruments, antiques, scores, records, books and

theatre props are witnesses of a time when the house was constantly flooded with artists,

musicians and poets.

Turi and Nata are filmmakers who primarily produce documentaries, both individually and

collaboratively. Oftentimes music is a central subject in the stories they choose to tell, such as in

‘Yiddish Soul’ (2006), which showcases the enduring importance of Yiddish and klezmer music

in Europe - a genre nearly lost during the tragic events of the Holocaust. Likewise, ‘Choeurs en

Exile’ (2015) explores the significance of music and singing in the story of a choir from the

Yezidi community, a religious minority exiled in Germany after fleeing from ISIS persecution in

Iraq. In their work, music is not merely a topic but a vital component of the narrative structure;
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‘L’oro del Cam(m)ino’ (2023) is a documentary that takes place at the Il Camino rehabilitation

centre on Monte Faito, near Naples, Italy and focuses on the lives of people on probation and

drug addicts who are living in isolation as they attempt to rebuild their lives.

Knowing their work and personal stories, I have always been curious about how they select,

integrate and evaluate music in their art form - cinema; Do they find the same significance

musicians attribute to it? Or do they consider it no more than a casual property of a certain

community or mood? I took this interview as an occasion to question their ideas and ideals and

to understand how they motivate their musical choices.

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II. Interview Transcript1

“What role do you believe music plays in the narrative process of your documentaries
and what inspired you to create ‘Yiddish Soul’?”

Salvatore: “I can say that my father was a musician, so I have always been very accustomed to
listening to a lot of music. The experience of Yiddish music was entirely new to me. To fully
immerse ourselves in the music and everything it could convey, we decided to subtitle all the
lyrics of the songs, allowing us to fully understand their meaning. Regarding our artistic and
musical choices in the film, we sought out artists who had a deep awareness of the language,
which was somewhat unlikely. This is because of the phenomenon of "virtual Judaism" in the
1990s, where everyone sang in Yiddish as a form of cultural restoration. However, we chose
artists who had a profound understanding of the significance of these songs.”

Nathalie: “We can say that our relationship with music is very closely tied to documentary
filmmaking. Our very first documentary was born out of a love for music. I had a dear friend who
sang in this language that was unknown to me: Yiddish. I would go to listen to her, and I couldn’t
understand how it was possible to feel such emotion while listening to these songs in an
unfamiliar language. From there, the desire to know more about this world emerged, to
understand where it came from. Naturally, this led to the discovery of the entire history of the
Jewish people of Eastern Europe. We then began extensive research on this music, which led
to the creation of our first documentary. In this process, we were almost following the
musicians—they were the ones bringing us the songs. Our selection was more emotional and
intuitive with the film. This was our first experience centred around music.”

“What I find interesting is that the film is almost like a concert documentary, with many
performances by different artists.“

Nathalie: “It was a research project; we listened to great Klezmer music groups across Europe,
with particular attention to popular songs.”

“There is a strong interest in music in your documentaries! Starting from "Yiddish Soul"
and then "Choeurs en Exile," which focuses on Armenian liturgical chants. Is there a
common thread between these movies?”

Nathalie: “The common thread between these two films is that this music takes you back to
something ancestral, something very ancient, with a strong history. Armenian liturgical chants
tell the story of an incredible people, and through the music, you explore the history of an entire
culture.”

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Disclaimer: this interview was translated from Italian by AI and reviewed afterwards. The
original Italian transcript is provided in the annex for reference.
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Salvatore: “Moreover, these are cultures and traditions at risk of disappearing. For instance,
the Yiddish language virtually no longer exists and is mainly preserved through song. The
protagonists of "Choeurs en Exile" believe they have saved approximately 17% of the existing
repertoire; it’s the work of a lifetime!”

“I believe it is an important work of preservation, a valuable resource for anyone who

wants to research and delve deeper into world music. On a more technical level, both in
these films and in others where music is not the central theme, what is your method for
complementing music with images? How do you search for the right images to match the
music? Do you have any particular filming techniques?”

Nathalie: Our choice is always based on the concrete reality of the protagonists, not on creating
illustrative images for the musical piece. We try to avoid illustration because we have realized
that illustrating is the simplest but not the most effective approach. Instead, we use music for all
its inherent power and potential, almost as if it were a character that must fully exist. In our
documentaries, music acts as a red thread throughout. I also like to represent music with a
metaphorical rather than illustrative language. For example, in "Choeurs en Exile, Canto Alla
Vita," there are many instances where we found it much more interesting to use abstract images
to delve into the musical world and find an emotional correspondence with the visuals.

“Although filmmakers are presumably more focused on imagery and the visual aspect, it
is interesting that in your documentaries, music takes on the central role of a character.
So, you haven’t tried to complement the music with the images, but rather almost the
opposite. Regarding your works where music is not the main theme but has been used
to complement, to convey emotions and sensations, for example, in your latest film "Il
Cam(m)ino," there is a prominent use of classical music. There also seems to be a
significant connection with the clarinet, such as the use of Poulenc’s Sonata for Clarinet
and Piano and Stravinsky’s Three Pieces for Clarinet Solo. In "Il Cam(m)ino," the film
opens with a meditative improvisation on the clarinet…”

Nathalie: We like the clarinet very much; we find that the instrument’s possibilities and sounds
adapt well to various situations.

“Unlike many modern documentary filmmakers, it seems that you make extensive use of
music from classical and romantic periods in your films. Is there a reason for these
musical choices?”

Nathalie: Our choices are driven by intuition and a love for music and the pleasure of listening
to it.

Salvatore: We try to choose music that connects deeply with the characters as if seeking a
theme for each one.
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Nathalie: I believe that every person has their own fragrance, colour, and inner music—it could
even be their musical instrument. I find it beautiful to try to associate people with their music.

“This makes me think of the Romantic idea of the leitmotif. I now understand why
Romantic music particularly attracts you, as these themes are often associated with the
protagonist's character and likely transform and evolve just like your subjects.”

Salvatore: I find that the expressiveness of Romantic music is very well suited to describing the
characters in documentary cinema. For example, in "Il Cam(m)ino," we used a sonata by
Rachmaninoff in a portrait of one of the characters of Russian origin. In some cases, the music
helps us connect with the character not only on a personal level but also culturally.

“In your current work in progress, Tristan and Isolde play an important role in the opening
of the film. How did you arrive at the choice of this piece for your film?”

Salvatore: I think it’s partly related to my father, who was, how should I say, a music lover, a
musician but an amateur, always had a great love for this theme of Tristan’s death. Another
reason is that it’s a film about love, the search for women, mothers, and cinema. I think I will use
this music alongside images related to space, accompanying a scene of a ship entering a fjord
in Norway. Additionally, it’s connected to the fact that in the audio repertoire, I will have for the
film, there are recordings of Tristan and Isolde that my father played on the piano. So the reason
is twofold, partly because of my father and partly because of the spatial quality. I find it’s a very
expansive piece of music that fits well with Nordic images.

“Have you ever commissioned music for your films from composers?”

Nathalie: Yes. If the film is about music, it’s one thing because you already have musicians
around you. But if the film doesn’t have musicians and you want to achieve this idea of the
character’s red thread, of the music’s existence in the film, then having a brilliant composer is
essential because you can explain your intentions to them.

Salvatore: The composer’s participation and collaboration are very important. For us, they must
follow along with us and come to know the characters personally and deeply.

Nathalie: For example, in "Choeurs en Exile," there is a point where one of the protagonists
disappears from the film, but through music, they are somehow brought back to life, thanks to a
theme that belonged to them and gradually transforms, giving them life again. It could be called
a hymn to life, as it revives the character through a new composition.

“Once again, the primary association of music is linked to the character. Is this a
recurring technique in documentary cinema as opposed to fiction cinema?”
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Nathalie: In documentary cinema, there isn’t a particular focus on finding the image that best
suits the music; this often happens in fiction cinema as well. Perhaps our distinction lies in the
fact that we make extensive use of classical and romantic music.

“Do you think that music from this period can influence the audience’s emotional
response more than other musical genres?”

Salvatore: It’s difficult to answer that question—everyone has a different sensitivity to music.
We try to make the audience resonate with the character and their inner music, which then
becomes a learning experience for the public. We don’t use music to directly move the
audience.

“Have you considered how musical choices might attract different types of audiences?”

Nathalie: No, actually, there’s no intention to attract the audience with classical music. We
intend to be true to the spirit and character of the protagonist so that when the audience
watches, they begin to know the character, and then, all of a sudden, they might be moved by
music that perhaps wouldn’t even be their own. Maybe they love rap, but suddenly, they find
themselves in front of a piece of classical music, and because they’ve connected with the
character, they end up liking classical music, even if that wasn’t our initial intention. We don’t
intend to please with classical music.

“The reason I ask this question is that you make extensive use of classical music, while
more modern musical options might also be suitable. Having participated in the selection
process of documentaries for your "Faito Doc" film festival in Naples, it seemed to me
that the use of classical music was very rare, and I didn’t feel the deep connection with
this musical period as I do in your films.”

Salvatore: Certainly, we also rely on the fact that those who watch our films have a certain
musical sensitivity, hoping for this. Classical music can also have resonance effects, even if that
wasn’t the initial intention.

Nathalie: When I was a child, my mother always made me listen to Chopin... In fact, there is
definitely a dimension where I was somewhat lulled by classical music from a young age.
Moreover, I see that my brother Lorenzo listens to classical music constantly, the classical
influence is there, though it may not reach everyone. But there is also curiosity about
non-classical music. For example, when we were in Albania, we made a film that didn’t require
music because it was pure “cinéma vérité”, where silence was extremely important. Also, in
every film, music must never invade or repeat what you see. If you add Romantic music to a
Romantic image, I think it’s generally disastrous.

Music, if linked to the character, at least in our documentaries, needs to complement the natural
sound design that already exists in the image. It absolutely has to have its own part, its own
breath, as part of a composition with the natural sounds, which must respect the silences.
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There’s no such thing as pure silence, silence with a bit of wind is not true silence, for example.
But in the film from Albania, we used two pieces: one at the beginning, which was a very old
Albanian lullaby about a woman who tells of her son’s murder. The lullaby was meant to evoke
the film’s finale, which, in some way, symbolizes the woman’s rebirth despite what happened.
The lullaby takes on a symbolic, almost metaphorical role that is reflected in the film’s initial
scenes. It’s a popular song, not a classical one, though I also consider it classical in a way.

“As a musician and researcher, I value your work greatly, not only in filmmaking but also
in preservation and genuine contribution to research. I believe that your work provides
valuable resources for a researcher who wants to delve deeper into world music. Staying
on the theme of preservation beyond your work and films, do you also seek to preserve
music in other ways? For example, you have welcomed me into your home, which is
steeped in music, with musical instruments, particularly a grand piano, a library of over
500 music scores, and at least 300 vinyl records… How has the presence of musicians
in your daily life influenced or contributed to your work or musical choices?”

Nathalie: We believe it is an important presence for our work as filmmakers. When we’re
working on a film, knowing that we have a musician in the house, and then suddenly, there’s a
complicated sequence, such as in the film "Il Cam(m)ino," where there’s a sequence that tells of
their descent into drug addiction, the entire issue of drugs, the complexity, the pleasure, and
then the tragedy after the pleasure, speaking of which, we were looking for a piece of music to
evoke this, and we sought advice, as we often do when we are in the research phase for the
music in our documentaries.

Salvatore: Our house has always been filled with music, and having you with us is an immense
joy. From a heritage perspective, you inhabit our house as if you also inhabit my father
Giovanni’s room, with all the music scores. All of this brings life to the house, which is something
we have always desired.

Nathalie: Absolutely, for me, it’s also a co-participation in our work… discussion, dialogue, and
advice. Many times, the advice is good and ends up being used in a film.

“Your presence, both today and in my life, has enriched me immensely, and I have really
enjoyed learning more about documentary cinema through our conversation today.
Thank you for your time and your sharing.”
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III. Summary and Reflection

III.1. Summary

During the interview session with Nathalie Rossetti and Salvatore Finochiaro, the duo talk about

their way of integrating music into their documentaries. They emphasise that music plays a role

in their films as more than just background noise: it acts as a key element, shaping the

storytelling and establishing a profound connection with the individuals involved. Their method

of selecting music is based on intuition and emotional resonance and they tend to pick pieces

that reflect the personal histories of the characters.

They stress the significance of avoiding using music for illustrative purposes and opt to let it

evoke profound meanings and emotions instead. Since they believe Romantic music is highly

effective in capturing the inner realm of the individuals in their movies, they tend to gravitate

towards this style. In addition to these artistic methods, they also believe their work contributes

to the safeguarding of heritage by highlighting endangered musical customs such as Yiddish

melodies and Armenian religious chants.

In essence, their documentaries strive to establish a bond between the viewers and the

characters using music as a crucial and vivid component that enriches the narrative journey.

III.2. Reflection

What struck me most during our conversation was Nathalie’s concept of treating music as a

character in its own right rather than merely an accompaniment. I like this idea because it

leaves room for autonomous meaning of the score, but at the same time allows for interaction
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with the story and its characters. Music is like an extra presence in the room which comments,

supports, remembers, agrees and disagrees with the events on the screen.

In addition to this, I find it interesting how the distinction they make between illustrative and

metaphoric mirrors similar discourses in music, which make use of metaphorical meaning to

explain music’s expressive power2. In this context, the metaphor is a powerful tool for the

construction of meaning as it again leaves room for interpretation. The use of a lullaby as a

symbol for the character’s rebirth strikes me as not dissimilar to the use of the Tristan chord as

an expression of the ambiguity and desire between Wagner’s characters.

Lastly, the example of Rachmaninov evoking the Russian heritage of a character demonstrates

how music can create a cultural and emotional connection which goes beyond simply

referencing something, but adds a true dimension to the character. Reflecting the ‘inner world’ of

the character through music is a way in which the makers can communicate with the audience

without having to explicitly voice their ideas.

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See Scruton, Roger. The Aesthetics of Music. Oxford: Clarendon Press, 1997.
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IV. Annex 1: Italian transcript of interview

Intervista - Versione Italiana

Domanda: “Quale ruolo credi che la musica giochi nel processo narrativo dei tuoi
documentari?”

Risposta: Posso dire che mio padre era musicista, quindi sono sempre stato molto abituato ad
ascoltare molta musica. L'esperienza della musica Yiddish era completamente nuova. Per
entrare completamente nella musica con tutto ciò che poteva veicolare, abbiamo desiderato
sottotitolare tutte le parole delle canzoni per entrare completamente anche nel senso di tutto
questo. Riguardo alle nostre scelte artistiche e musicali nel film, abbiamo ricercato artisti che
conoscevano la consapevolezza della lingua, ed era una cosa rarissima, perché c'è stato il
fenomeno degli anni '90 dell’Ebraismo virtuale, in cui tutti cantavano Yiddish perché era una
cosa in qualche modo riparatrice. Invece noi abbiamo scelto artisti che avevano una
consapevolezza della portata di queste canzoni.

Possiamo dire che il nostro rapporto con la musica è molto legato al documentario. Il nostro
primissimo documentario è nato per amore della musica. Io avevo una carissima amica che
cantava in questa lingua per me sconosciuta, che era la canzone Yiddish, e andavo ad
ascoltarla e non riuscivo a capire com'era possibile che, con una lingua sconosciuta, si potesse
provare una tale emozione nell'ascoltare questi brani. Da lì è venuto il desiderio di saperne di
più, conoscere di più questo mondo, capire da dove proviene. Ovviamente la scoperta di tutta la
storia del popolo ebraico dell'Europa dell'Est ci ha spinti a fare un lavoro di ricerca sulla musica,
che ci ha portato a realizzare il nostro primo documentario. In questo processo, eravamo quasi
noi che seguivamo i musicisti: erano loro a portarci i canti e la musica. Poi ovviamente la scelta
musicale è stata più emotiva e intuitiva rispetto al film, era una prima esperienza intorno alla
musica.

Domanda: Quello che trovo interessante è che il film è quasi un concerto documentario,
con molte performance di diversi artisti.

Risposta: È stato un lavoro di ricerca; abbiamo ascoltato grandi gruppi di musica Klezmer in
tutta Europa, con particolare attenzione alla canzone popolare.

Domanda: C'è un forte interesse per la musica nei vostri documentari! Partendo da
"Yiddish Soul" e poi "Choeurs en Exile" sui canti liturgici armeni,

Risposta: Il punto in comune tra questi due film è che queste musiche ti portano in qualcosa di
ancestrale, di molto antico, comunque con una storia molto forte. Forse i canti liturgici armeni
raccontano una storia, un vissuto di questo popolo incredibile, e quindi attraverso la musica si
arriva alla storia di un intero popolo. Oltretutto, sono culture e tradizioni che rischiano di
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scomparire. Ad esempio, la lingua Yiddish non esiste praticamente più e viene veicolata
soprattutto attraverso il canto. I protagonisti di "Choeurs en Exile" ritengono di aver salvato
approssimativamente il 17% del repertorio esistente; è il lavoro di una vita! Ritengo sia oltretutto
un lavoro importante di preservazione, una risorsa importante per chi volesse ricercare e
approfondire la musica del mondo.

Domanda: “Invece, a livello un po' più tecnico, sia su questi film che su altri che non
sono particolarmente centrati sulla musica, qual è il vostro metodo per complementare la
musica con le immagini? Come ricercate le immagini adatte per la musica? Avete delle
tecniche di ripresa particolari?”

Risposta: La nostra scelta si basa sempre su una realtà concreta dei protagonisti, non creando
delle immagini illustrative sul brano musicale. Cerchiamo di evitare l’illustrazione perché ci
siamo resi conto che in realtà illustrare è la cosa più semplice da fare, ma non la più efficace.
Usare la musica per tutta la sua forza e potenza che ha di per sé, quasi come un personaggio
che deve avere tutta la sua esistenza, nei nostri documentari la musica è come un filo rosso. Mi
piace anche rappresentare la musica con un linguaggio metaforico anziché illustrativo. Per
esempio, in “Choeurs en Exile” ci sono tantissimi esempi dove ci è sembrato molto più
interessante fare uso di immagini astratte per rientrare nel mondo musicale e trovare una
corrispondenza emozionale con le immagini.

Nonostante i cinematografi, che presumibilmente concentrano l’attenzione prevalentemente

sull’immagine e il visivo, è interessante che nei nostri documentari la musica prenda il ruolo
centrale di personaggio. Quindi non abbiamo cercato di complementare la musica con le
immagini, ma quasi il contrario. Riguardo ai nostri lavori che non hanno la musica come tema
principale, ma dove la musica è stata utilizzata per complementare, per veicolare emozioni e
sensazioni, ad esempio, nel nostro ultimo film “Il Cam(m)ino,” c’è un prevalente utilizzo della
musica. Sembra esserci anche una connessione importante con il clarinetto, come nell’utilizzo
della Sonata per Clarinetto e Pianoforte di Poulenc o i 3 pezzi di Stravinsky per clarinetto solo.
In “Il Cam(m)ino” un clarinetto apre il film con un’improvvisazione meditativa…

Il clarinetto ci piace molto; troviamo che le possibilità e i suoni dello strumento si adattino molto
a diverse situazioni. Al contrario di molti documentaristi moderni, sembra che noi facciamo
grande uso della musica classica nei nostri film.

Domanda: So che stiamo lavorando a un nuovo film e il tema di Tristano e Isotta di

Wagner svolge un ruolo principale. C’è un motivo dietro queste scelte musicali?

Risposta: Le nostre scelte sono frutto di intuizione e dell’amore per la musica e il piacere di
ascoltarla. Cerchiamo di scegliere le musiche connettendoci molto ai personaggi, come a voler
cercare un tema per ogni personaggio. Io sono convinta che ogni persona abbia il suo profumo,
colore e la sua musica interiore; può essere anche il suo strumento musicale. Trovo molto bello
cercare di associare le persone alla propria musica.
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Domanda: Questo mi fa pensare all’idea romantica del Leitmotiv, capisco adesso perché
la musica romantica ci attrae particolarmente, dato che spesso questi temi sono
associati al carattere del personaggio e si trasformano ed evolvono probabilmente come
i nostri protagonisti.

Risposta: Trovo che l’espressività della musica romantica si presti benissimo alla descrizione
dei personaggi del cinema reale. Ad esempio, in “Il Cam(m)ino,” abbiamo utilizzato una sonata
di Rachmaninoff in un ritratto di uno dei personaggi di origine russa. In alcuni casi, la musica ci
aiuta anche a collegare il personaggio non solo a livello personale, ma anche culturalmente.

Domanda: “Nel vostro lavoro in progresso, Tristano e Isotta ha un ruolo importante

nell’apertura del film. Come siete arrivati alla scelta di questo brano per il vostro film?”

Risposta: Penso che sia legato da un lato a mio padre. Mio padre, che essendo, come dire,
melomane, musicista ma dilettante, ha sempre amato moltissimo questo tema di morte di
Tristano. Da un altro lato, perché è un film sull’amore, la ricerca, le donne, le madri, e il cinema.
Penso di utilizzare questa musica su delle immagini legate allo spazio; accompagna la scena di
una nave che sta entrando in un fiordo in Norvegia. È anche legato al fatto che nel repertorio
audio che avrò per il film, ci sono delle registrazioni di Tristano e Isotta che mio padre suonava
al pianoforte. Quindi il motivo è duplice: sicuramente è legato a mio padre, ma anche alla
spazialità. Trovo che sia una musica molto ampia che si presta molto bene alle immagini
nordiche.

Domanda: “Avete mai commissionato musica per i vostri film a compositori?”

Risposta: Se il film è sulla musica, è un conto, perché hai già i musicisti intorno a te. Ma se il
film non ha musicisti e uno vuole arrivare a queste intenzioni di personaggio, di filo rosso, di
qualche modo questa esistenza della musica nel film, allora avere un compositore geniale è
essenziale, perché tu gli spieghi le tue intenzioni. La partecipazione e collaborazione del
compositore è molto importante; per noi è fondamentale che lui segua con noi e impari a
conoscere personalmente e profondamente i personaggi. Per esempio, “Canto alla vita” è un
film dove uno dei protagonisti a un certo punto scompare dal film, però con la musica lo si fa
rinascere in qualche modo, lo si fa riesistere grazie a un tema che era suo e che a poco a poco
si trasforma e gli ridà vita. Infatti, si potrebbe dire che “Canto alla vita” è un inno alla vita, un
riprendere vita grazie a una composizione nuova.

Domanda: “Ancora una volta l’associazione principale della musica è legata al

personaggio. È questa una tecnica ricorrente nel cinema reale al contrario del cinema
fiction?”

Risposta: Nel cinema reale non c’è una particolare attenzione, si fa per dire, certo che c'è
un'attenzione, però non c'è una concentrazione particolare sul trovare l'immagine che sia adatta
alla musica; questo accade spesso anche nel cinema fiction. Forse la nostra distinzione sta nel
fatto che facciamo grande uso di musica classica e romantica.
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Domanda: “Pensate che la musica di questo periodo possa influire sulla risposta emotiva
del pubblico rispetto, per esempio, ad altri generi musicali?”

Risposta: È difficile rispondere a questa domanda; ognuno ha una sensibilità diversa rispetto a
questo. Noi cerchiamo di far conoscere e creare una risonanza con il personaggio e la sua
musica interiore, poi diventa conoscenza per il pubblico. Non usiamo la musica per toccare il
pubblico.

Domanda: “Mi sembra di capire che per voi non c’è una grande differenza tra i generi
musicali. Avete considerato come le scelte musicali possano attirare diversi tipi di
pubblico?”

Risposta: No, in realtà non c'è l'intenzione di attirare il pubblico con la musica classica. C'è
l'intenzione di essere nel giusto dello spirito e del carattere del personaggio, affinché il pubblico,
quando lo guarda, inizi a conoscerlo e poi si emozioni a tutto d'un colpo di fronte a una musica
che forse non sarebbe neanche la sua. Forse ama il rap, e invece si trova davanti a un pezzo di
musica classica, però ci è arrivato con la conoscenza di questo personaggio, e quindi forse tutto
d'un colpo gli piace la musica classica perché l'ha sentita lì. Non c'è l'intenzione di piacere con
la musica classica.

Domanda: “L’origine di questa domanda nasce dal fatto che voi fate molto uso della
musica classica, quando anche altre opzioni di musica più moderna potrebbero essere
adatte. Avendo partecipato al processo di selezione dei documentari per il vostro festival
di cinema reale “Faito Doc” a Napoli, mi è sembrato che la scelta della musica classica
fosse molto rara. Non ho sentito alcuna connessione profonda con questo periodo
musicale come accade nei vostri film.”

Risposta: Certo, confidiamo anche nel fatto che chi guarda i nostri film abbia una certa
sensibilità musicale, sperando in questo. Una musica classica può avere effetti di risonanza
anche se non è l'effetto ricercato inizialmente. Quando ero bambina, mia mamma mi ha sempre
fatto ascoltare Chopin... in realtà c'è sicuramente una dimensione dove io sia stata un po'
cullata dalla musica classica fin da bambina. Inoltre, vedo che mio fratello Lorenzo ascolta
tantissimo la musica classica, sempre. L’input classico è arrivato, e non è detto che arrivi a tutti,
ma c'è anche la curiosità nei confronti del non classico. Per esempio, quando eravamo in
Albania abbiamo fatto un film che non necessitava di musica perché era proprio tutto cinema
diretto; il silenzio era importantissimo. Anche in ogni film, la musica non deve mai invadere e
non deve essere una ripetizione di quello che vedi. Se aggiungi musica romantica a
un’immagine romantica, secondo me è generalmente disastroso.

La musica, se legata al personaggio—almeno nella nostra documentaristica—e al personaggio

nell'immagine, è qualcosa che va oltre; è un design del suono naturale che esiste già
nell'immagine, che assolutamente deve avere la sua parte, il suo respiro. È tutt'una
composizione con i suoni naturali che devono svegliare i silenzi. E il silenzio nemmeno è vero
silenzio; il silenzio con un po' di vento non è silenzio puro. Per esempio, nel film in Albania
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abbiamo usato due brani: uno all'inizio, che è una ninna nanna albanese molto antica su una
donna che poi racconta dell'uccisione del proprio figlio. La ninna nanna era un rievocare un po'
quello che sarà il finale del film, la rinascita in qualche modo di questa donna nonostante quello
che è accaduto. Quindi la ninna nanna prende simbolicamente, quasi come metafora, quello
che poi vedrai nel film all'inizio. È un canto popolare, non è un canto classico, che io chiamo
anche classico, però è un canto popolare.

Domanda: “Come musicista e ricercatore, attribuisco molto valore al vostro lavoro, non
solo cinematografico ma di preservazione e contributo alla ricerca vera e propria. Credo
che presentiate risorse valide per un ricercatore che voglia approfondire la musica del
mondo. Rimanendo sul tema della preservazione, oltre al vostro lavoro e ai film, cercate
anche di preservare la musica in altri modi? Per esempio, vivete con un musicista. Da
almeno quattro anni mi avete dato la possibilità di approfittare della vostra casa, che è
intrisa di musica, con strumenti musicali, in particolare un pianoforte a coda, una libreria
di spartiti musicali di più di 500 pezzi, almeno 300 dischi in vinile... un supporto
abbastanza sostanziale per uno studente di musica. Trovo che questo sia ancora un altro
modo con cui cercate di preservare la musica. Come la presenza di un musicista nella
vostra vita ha influenzato o contribuito al vostro lavoro o scelte musicali?”

Risposta: Pensiamo che sia una presenza importante anche per il nostro lavoro di cineasti.
Quando lavoriamo su un film, il fatto di sapere che abbiamo un musicista in casa, e che tutto
d’un colpo c’è una sequenza complicata—per esempio, penso a questo film “Il Cam(m)ino.” C'è
una sequenza dove si racconta della loro caduta nella droga, di tutto il problema della droga e
della complessità; nello stesso tempo, il piacere, e poi la tragedia dopo il piacere. Parlando,
cercavamo un brano musicale per evocare questo, e abbiamo cercato consiglio come spesso
facciamo quando siamo nella fase di ricerca per la musica dei nostri documentari. Questa casa
è sempre stata abitata dalla musica, e il fatto di averti con noi è un’immensa gioia. Anche da un
punto di vista di eredità, in qualche modo abiti la nostra casa come abiti anche la stanza di mio
padre Giovanni. Abiti gli spartiti, e tutto questo dà vita a questa casa, come abbiamo sempre
desiderato.

Fine: Assolutamente, per me è anche una co-partecipazione nel nostro lavoro… di

discussione, di dialogo, e di consiglio. Molte volte il consiglio è buono e viene poi usato
in un film. La vostra presenza mi ha arricchito immensamente ed ho imparato motissimo
sul cinema reale. Vi ringrazio per il vostro tempo e la vostra condivisione.